Spódnice z lat 20-tych zwykle schodziły z kostki lub połowy uda i wyginały się w kształt lekko A-line. Rozkloszowany dół pozostawiał wystarczająco dużo miejsca do chodzenia. Na spódnicy znajdowały się duże kieszenie z patkami. Guziki na zewnątrz były ozdobne i często zapinane na haczyki. Spódnice w kratę były zazwyczaj noszone z paskami, a tkaniny wełniane były idealne na zimę. Obcasy spódnic damskich często sięgały do kolan.
Z przyjemnością dzielimy się materiałem, który powstał dzięki współpracy z garderobiany.pl
Nogi kobiet były widoczne z hemlines rising to the knee
Przez wiele lat kobiece sukienki i spódnice były długie, ale wraz z nadejściem pierwszej wojny światowej zaczął się pojawiać nowy trend. Pruderia epoki wiktoriańskiej zaczęła się załamywać, a kobiety zyskały większą niezależność i znaczenie społeczne. Krótkie spódniczki nie były już normą, a młode kobiety chętnie przyjmowały nowe trendy. W latach 20-tych XX wieku linie brzegowe sięgały do kolan.
Oprócz obniżenia linii brzegowych, kobiety były również postrzegane z bardziej seksownymi, kobiecymi nogami. W 1921 roku suknie wieczorowe były wykwintnymi dziełami sztuki, drapowanymi na nogach kobiet i odsłaniającymi niemożliwie wyrafinowaną sylwetkę. Te stroje deklarowały nowy ideał piękna, określając kobiece kształty jako proste, kanciaste i wydłużone – echo wpływu ruchów Art Nouveau i Les Arts Decoratifs.
W latach trzydziestych XX wieku Wielki Kryzys zapanował i doprowadził do upadku linek do włosów. Ta ponura sytuacja ekonomiczna zmusiła kobiety do powrotu do skromności, ale jednocześnie otworzyła drzwi dla Złotego Wieku Hollywood. Filmy stały się chwilową ucieczką od ciężkiej rzeczywistości tamtych czasów i przyniosły takie sławy jak Wielka Garbo, Jean Harlow i Bette Davis.
W latach 10-tych XX wieku linie brzegowe utrzymywały się na stałym poziomie długości łydki, ale w latach 20-tych wzrosły do wysokości rzepki. Asymetryczne obszycia sprawiały, że nogi klapek wyglądały na dłuższe i szczuplejsze niż w rzeczywistości. Oprócz asymetrycznych linii brzegowych, inne style spódnic obejmowały spódnice z falbankami, spódnice plisowane i półprzezroczyste spódnice oversize.
Elsa Schiaparelli
Elsa Schiaparelli była awangardową projektantką mody w XX wieku. Choć nigdy nie otrzymała formalnego wykształcenia w dziedzinie mody, jej projekty charakteryzowała siła konceptualna w przeciwieństwie do Coco Chanel. Współpracowała ze słynnymi artystami, takimi jak Salvador Dali, Jean Cocteau i Alberto Giacometti, aby stworzyć ponadczasowe projekty. Oprócz projektowania kultowych ubrań, Elsa współpracowała również ze słynnymi ilustratorami i malarzami, aby stworzyć dzieła z artystycznym rozmachem.
Znane ze swoich krzykliwych spódnic projekty Elsy Schiaparelli były wykonywane z materiałów syntetycznych, takich jak rayon i metaliczna przędza. Jej innowacyjna praca z tymi materiałami, łącząca zamiłowanie do kolorów i wzornictwa z nietypową wrażliwością, zaowocowała ponadczasowymi klasykami, które przywołują na myśl zarówno przeszłość, jak i teraźniejszość. Dziś kreacje Elsy są często naśladowane przez współczesnych projektantów.
Ulubieńcem projektantki jest jej naszyjnik z aspiryną. Naszyjnik wykonany z porcelanowych koralików przypomina kształtem tabletki przeciwbólowe. Naszyjnik był pierwszą współpracą Elsy z rosyjsko-francuskim artystą. Później współpracowała z Salvadorem Dali, Man Rayem i Jeanem Cocteau. Projekty Elsy Schiaparelli znalazły się również w kostiumach rewolucji francuskiej.
Po studiach nad projektowaniem mody została zatrudniona do pracy u byłej żony dadaistycznego malarza Francisa Picabii. Interesowała się kunsztem ubrań swojego pracodawcy oraz światem artystycznym kręgu eksperymentujących artystów. W 1923 roku pojechała za Rayem i Duchampem do Paryża, gdzie wystawili swój dziwaczny balet Le Boeuf sur le Toit. Ponadto poznała córkę Poireta, której matka była słynną malarką.
Suzanne Lenglen
Suzanne Lenglen, francuska bohaterka narodowa i siedmiokrotna mistrzyni Wimbledonu, została uhonorowana podczas Miesiąca Historii Kobiet. Była gwiazda tenisa była pierwszą kobietą, która stała się ikoną mody w tym sporcie, na nowo definiując standardy mody. Jej charakterystyczne krótkie jedwabne spódniczki, kardigany bez rękawów, podwiązki, bandany i ekstrawagancki styl wyznaczyły wysoką poprzeczkę dla tenisistów. Mimo słabego zdrowia i ograniczonych możliwości poruszania się, potrafiła na korcie tenisowym emanować krzykliwością.
Ryczące lata 20. były również okresem zmian społecznych. Lenglen była jedną z najpopularniejszych kobiet na świecie, co sprawiało, że jej obecność na kolumnach plotkarskich, w magazynach mody i na stronach sportowych była jeszcze bardziej pożądana. Jej wygrane w tenisa uczyniły ją jedną z najpopularniejszych kobiet na świecie, a jej wygląd został ukształtowany przez modowy szał epoki. Lenglen była nie tylko pierwszą kobietą, która nosiła krótkie spódniczki, ale także pierwszą sportsmenką, która startowała w tenisie bez gorsetu. Jej styl stał się tak trwały, że uznano ją za pierwszą światową gwiazdę sportu.
Podczas gdy kort tenisowy nie był już miejscem na bluzki z długimi rękawami, damskie sukienki tenisowe pozostawały poniżej kolana. W 1919 roku stroje francuskiej mistrzyni kraju były skromniejsze. Suknia Lenglen, która miała białą spódnicę do połowy łydki, była asymetryczna, a jej charakterystyczna chusta dodawała grze elementu glamour.
Jean Patou
Najbardziej uderzającymi aspektami spódnic Jean Patou z lat 20-tych są ich eleganckie wzornictwo, koronki i misterne detale. Sam Patou nie był biegłym rysownikiem, twierdząc, że nie potrafi rysować i że nożyczki są jego „najniebezpieczniejszą bronią”. Patou dostarczał swoim pracownikom zabytkowe tkaniny, fragmenty haftów i specjalne instrukcje dotyczące tworzenia każdego nowego wzoru. Po zebraniu tych materiałów Patou przedstawiał pracownikom ich pomysły, prezentując modele jako toile. Na tej podstawie Patou udoskonalał swój projekt, zmniejszając całkowitą liczbę toili do trzystu na sezon.
Na projekty Patou miała wpływ era wolności, którą reprezentowały lata 20. Pomimo wolności, która charakteryzowała tę dekadę, Patou kontynuował wprowadzanie innowacji w modzie i stylu. W latach 20. stworzył pierwszy krawat dla projektantów, wycinając wzory z jedwabnych tkanin, które wcześniej były zarezerwowane dla kobiet. Innowacje Patou sprawiły, że krawat stał się ważnym elementem męskiej garderoby. Ten innowacyjny styl wpłynął na projektantów takich jak Paul Smith i Christian Dior.
Śmiały marketing i styl życia Patou przyczyniły się do jego sukcesu. W 1924 roku zaprosił sześć modelek ze Stanów Zjednoczonych, aby zaprezentowały jego kolekcję. Patou był pierwszym europejskim projektantem, który wprowadził na wybieg amerykańskie modelki. W rezultacie Patou był powszechnie uważany za wynalazcę odzieży sportowej Haute Couture. Jego projekty, które zawierały odzież sportową i pływacką, nosiły jego monogram. W latach 20. Patou wywarł duży wpływ na przemysł modowy i był uważany za jednego z największych modernistów epoki.
Nowy wygląd Diora
W latach 20. XX wieku francuscy projektanci mody eksperymentowali z obszernymi, pełnymi spódnicami. Wiele z tych spódnic było inspirowanych epoką Belle Epoch. Dior tworzył również spódnice z usztywnionymi biodrami i taliami. Jego projekty były eleganckie, a jednocześnie praktyczne i idealnie pasowały do tamtych czasów. Oto najważniejsze szczegóły jego kolekcji New Look. A co jest tak wyjątkowego w tej kolekcji?
New Look Diora był połączeniem pełnej spódnicy i podkreślonej talii. W tym czasie kobiety nosiły bieliznę pod żakietem, a dekolt wypełniały satynową fularową chustką na głowę, dickeyem lub śliniakiem. Styl ten był niezwykle popularny i odniósł natychmiastowy sukces w Paryżu. A New Look został przyjęty przez świat mody. Stał się podstawą mody damskiej w latach 50.
Pierwsza kolekcja New Look Diora była kolekcją z połowy wieku, która cieszyła się ogromną popularnością w tym okresie. Obszerne spódnice z kolekcji były niezwykle popularne i zainspirowały wielu projektantów do zaprojektowania nowych stylów. Rozpoczęła się nowa era, a najseksowniejsze trendy zajęły centralne miejsce. Dior był w stanie stworzyć nowy wygląd bez kompromisów w zakresie komfortu. Nawet najmniejsze szczegóły zostały dokładnie przemyślane.
Coco Chanel
W Ryczących latach dwudziestych, moda Coco Chanel była zamieszaniem bujności i powojennej prosperity. Dekada ta była czasem „flappers”, francuskiej wersji amerykańskich flappers, które goliły głowy, piły dużo i angażowały się w swobodne związki seksualne. Chanel tworzyła również ubrania dla kobiet takich jak Lee Miller, młoda, niezależna amerykańska modelka i fotoreporterka. W rzeczywistości stała się ona dziewczyną z plakatu ze względu na styl jej sukienek garconne.
Oryginalny marynarski surdut, kobaltowo-trykotowy, który mogliby nosić francuscy marynarze na maskaradzie, został zaprojektowany przez Coco Chanel w 1921 roku. Uprościła i zreinterpretowała wiele elementów garderoby, które były niezbędne w stroju handlowym. Wprowadziła sweter z apaszką do Ritza, sportowy szalik do trencza i uczyniła szykownymi białe kołnierzyki kelnerek.
Projekty Coco Chanel odzwierciedlały zarówno jej miłość do mody, jak i strukturę społeczną epoki. Choć w ciągu dnia jej stroje były utylitarne, to wieczorowe były pełne romantycznego uroku. W kolekcji z 1919 roku znalazły się m.in. strusie frędzle, peleryny z czarnego aksamitu i siatka z dodatkiem złota. Kolekcja Coco Chanel zdradzała również wpływy hiszpańskie. Nic więc dziwnego, że niektóre z jej najsłynniejszych ubrań powstały pod wpływem Hiszpanii, gdyż jej kreacje stały się najpopularniejszymi ubraniami tego okresu.
Po śmierci Coco Chanel dom couture został przejęty przez kolejnych projektantów. Większość projektantów kontynuowała jej twórczość, ale ostatnim był Karl Lagerfeld, który prowadził dom do początku lat 2000. Jej twórczość stała się fenomenem kulturowym, a z historii jej życia powstał musical na Broadwayu. Na świecie wciąż można znaleźć wiele spódnic Coco Chanel, a jej projekty zawsze pozostaną modne.
Podobne tematy
